La Película «Cumbres Borrascosas»: Un Homenaje al Cine, No a Brontë

Una nueva adaptación de “Wuthering Heights” vuelve a dividir opiniones al priorizar la estética, la sensualidad y la memoria cinematográfica por encima de la fidelidad literaria. La propuesta de Emerald Fennell no busca reproducir la novela de Emily Brontë, sino dialogar con décadas de historia fílmica. El resultado es una obra que despierta fascinación y rechazo en partes iguales.

Desde su anuncio oficial, la más reciente versión de “Wuthering Heights” dirigida por Emerald Fennell ha generado un intenso debate cultural. No se trata únicamente de una nueva adaptación de la célebre novela de Emily Brontë, sino de una declaración de intenciones sobre cómo el cine contemporáneo puede apropiarse de un clásico sin rendirle obediencia estricta. Lejos de buscar una reconstrucción académica de los páramos ingleses o del drama victoriano, la realizadora británica opta por una lectura estilizada, sensorial y profundamente autoconsciente.

La película, estrenada bajo el título entrecomillado de “Wuthering Heights”, introduce desde su promoción una pista clara: no aspira a ser la adaptación definitiva, sino una versión posible entre muchas. Esa elección gráfica, aparentemente menor, funciona como un gesto programático. Las comillas evocan una tradición visual del Hollywood de mediados del siglo XX, cuando los títulos aparecían destacados en los tráilers como recurso tipográfico distintivo. Al recuperar ese estilo, Fennell sugiere que su película dialoga más con la historia del cine que con el texto publicado en 1847.

En términos narrativos, la directora toma una decisión que ha acompañado a varias versiones anteriores: concentrarse únicamente en la primera mitad de la novela. Al hacerlo, el relato se interrumpe antes de que la historia de amor derive en un examen más amplio sobre el resentimiento, la herencia emocional y el trauma generacional. Esta elección reduce la complejidad estructural del libro, elimina personajes secundarios y simplifica la cronología. Sin embargo, al mismo tiempo intensifica la dimensión erótica y física de la relación entre Catherine y Heathcliff, subrayando el deseo, la obsesión y la pulsión corporal por encima de la reflexión psicológica.

Esa apuesta estética se manifiesta en una puesta en escena dominada por una saturación de estímulos sensoriales, donde la cámara se recrea en texturas, fluidos, superficies brillantes y matices táctiles que configuran una vivencia más corporal que reflexiva, mientras la lluvia, el barro y los objetos comunes asumen un peso casi simbólico sin llegar a desprenderse de lo superficial; para algunos espectadores, esta elección supone una ruptura con el espíritu de Brontë, mientras que para otros funciona como una reinterpretación atrevida que traslada la fuerza romántica al lenguaje visual actual.

El diálogo con el pasado cinematográfico es aún más evidente cuando se comparan las referencias de Fennell con la célebre adaptación de 1939 dirigida por William Wyler. Aquella versión clásica, protagonizada por Merle Oberon, consolidó una imagen romántica y estilizada de la historia que, con el tiempo, llegó a influir tanto como la novela original en el imaginario popular. La nueva película parece asumir que ese precedente forma parte inseparable de la tradición de “Wuthering Heights”.

La protagonista Catherine, interpretada esta vez por Margot Robbie, representa una combinación renovada de tributo y reinterpretación. El vestuario diseñado por Jacqueline Durran destaca como uno de los aspectos más comentados de la película. Robbie despliega numerosos conjuntos que remiten al glamour desbordado del Hollywood clásico, alejándose de la austeridad propia del siglo XVIII rural. Tul, terciopelo, pieles y abundantes joyas convierten a Cathy en una figura casi mítica, más vinculada al star system que a una recreación estrictamente histórica.

La inspiración visual no se limita a la adaptación de Wyler. Durante la preparación del rodaje, Fennell compartió con su equipo un voluminoso compendio de referencias que incluía imágenes de Scarlett O’Hara en Gone with the Wind y la estética fantástica de Donkey Skin. Estas influencias revelan una intención clara: construir un universo visual que no responda a criterios de exactitud histórica, sino a una verdad emocional definida por el cine mismo.

En declaraciones públicas realizadas en el Victoria and Albert Museum de Londres, la directora ha insistido en que el vestuario no pretende reproducir una época concreta, sino expresar estados internos. La diseñadora Durran ha descrito el proceso como intuitivo y emocional, más que documental. Esta postura desafía la expectativa habitual que rodea a los dramas de época, donde la fidelidad a los detalles históricos suele considerarse un indicador de calidad.

La recepción crítica no ha sido homogénea, pues algunos medios han cuestionado la simplificación del argumento y el foco puesto en la sexualidad explícita, interpretando estas decisiones como un recurso para provocar o actualizar la obra a cualquier precio. Otros estudios, por el contrario, han destacado que cada generación adapta los clásicos en función de sus propias inquietudes culturales. En 1939, el propio The New York Times publicó una crítica firmada por Frank S. Nugent en la que se respaldaban las licencias creativas de Wyler, señalando que la película lograba condensar con acierto el núcleo emocional del relato.

El paralelo histórico resulta inevitable. Si la versión de 1939 fue acusada en su momento de suavizar o simplificar la novela, la de 2026 enfrenta críticas opuestas: se le reprocha haber intensificado lo carnal y reducido la dimensión moral y social. No obstante, ambas comparten un mismo impulso: reinterpretar el texto para ajustarlo a los códigos estéticos de su tiempo. En ese sentido, Fennell parece consciente de que toda adaptación implica una toma de postura, una lectura parcial que privilegia ciertos aspectos y sacrifica otros.

Más allá del debate sobre fidelidad, la película puede entenderse como una reflexión sobre el propio acto de adaptar. Al elegir referencias cinematográficas en lugar de literarias, la directora sitúa su obra dentro de una genealogía visual. La pregunta que sobrevuela el proyecto no es si se ha respetado cada detalle de Brontë, sino qué significa hoy filmar una historia que ya ha sido contada tantas veces. En lugar de competir con el texto original, la película compite con sus predecesoras en la pantalla.

La estrategia comercial también influye en este fenómeno. Distribuida por Warner Bros. Pictures, la cinta se introduce en un mercado global donde los clásicos literarios siguen representando una apuesta confiable, siempre que lleguen con un enfoque particular. La controversia inicial, impulsada por el tráiler y las redes sociales, ha ayudado a consolidar la película como un acontecimiento cultural que trasciende su valoración artística.

Al final, la versión de Fennell no intenta acercar a los puristas ni conquistar al público ocasional; más bien parece empeñada en generar una vivencia sensorial potente, aun si eso implica que algunos la perciban como ligera. El brillo de la superficie, esa capa húmeda por la que se deslizan las imágenes, actúa como metáfora de una apuesta que privilegia el golpe visual inmediato por encima de una mayor complejidad narrativa.

Queda por ver si con el paso del tiempo esta adaptación terminará consolidándose como una reinterpretación significativa o quedará simplemente como una rareza estilística. Lo cierto es que, al igual que sucedió en su día con la película de Wyler, el debate en torno a “Wuthering Heights” va más allá de la comparación con la obra original. En esencia, se abre una conversación más amplia sobre la forma en que el cine transforma la literatura y sobre lo que el público actual espera de un clásico.

Al elegir centrarse en el Hollywood de mediados del siglo XX en vez del siglo XIX, Emerald Fennell deja ver con claridad su postura: la historia de Catherine y Heathcliff no se presenta como un monumento sagrado, sino como un material flexible. Para algunos, esa libertad creativa arroja una luz renovada sobre el relato; para otros, lo convierte en un destello vistoso pero con escasa profundidad. Como suele suceder con las obras que provocan opiniones encontradas, el juicio definitivo quedará en manos de la memoria colectiva y de la capacidad del filme para continuar alimentando la conversación después de su estreno.